Biorąc pod uwagę, jak wielkie święto bankowe pojawia się w amerykańskim kalendarzu, jest strasznie mało kina na Święto Dziękczynienia. Wyraźnie amerykański charakter tego święta sprawia, że powstanie prawdziwego filmu na Święto Dziękczynienia jest jeszcze większym wyzwaniem. Dodajmy do tego rosnącą presję, z jaką finansiści muszą mierzyć się z filmowcami, aby zachować bardziej międzykulturową atrakcyjność na globalnym rynku, i jest coraz mniej prawdopodobne, że wakacje będą przez chwilę w centrum uwagi kinowej.
Jasne, samoloty , Trains & Automobiles jest często odtwarzane w telewizji o tej porze roku (i słusznie), ale wykorzystuje Święto Dziękczynienia jako zbliżający się termin powrotu do domu dwóch szalonych podróżników. Najczęściej w filmach takich jak Dom na święta, Lodowa burza, Kawałki kwietnia i Przysięga wakacje służą jedynie jako wygodne tło do zaostrzenia rodzinnych napięć, które mogą pojawić się w dowolnym z pozostałych 364 dni w roku. Nie, najwierniejszym filmem oddającym ducha samego Święta Dziękczynienia jest Biedronka Grety Gerwig, której narracja ciasno owinięta jest wokół wdzięcznego kręgosłupa.
W swoich czterech ostatnich scenariuszach , Gerwig wykorzystała wakacje jako główne wydarzenie w swoich narracjach, aby wydobyć lub ucieleśnić szersze tematy jej historii. W przeciwieństwie do jej scenariusza do Mistress America, który kończy się w Święto Dziękczynienia jako forma zbliżenia między dwoma głównymi bohaterami, scena Święta Dziękczynienia Lady Bird pojawia się w kluczowym punkcie w połowie filmu. W solowym debiucie Gerwig, święto jest kolejnym ciosem zadanym przez upartą Christine „Lady Bird” McPherson Saoirse Ronan, kiedy porzuca rodzinny obiad, aby świętować ze swoim nowym chłopakiem, Dannym O’Neillem (Lucas Hedges). Odchodzi, ku wielkiemu rozczarowaniu swojej zmiennej matki Marion (Laurie Metcalf), rezygnując z ich skromnego posiłku na rzecz wystawnej uczty w domu, który okazuje się być jej wymarzonym domem – miejscem, w którym, zgodnie z opisem w scenariuszu Gerwiga, „ wygląda na to, że nic złego się nigdy nie wydarzy”.
Lady Bird już trochę udaje na spotkaniu O’Neilla, ubrana w fantazyjnie wyglądającą różową sukienkę, by zaimponować swoim bogatszym gospodarzom. Ale w torbie marynarskiej, którą zabiera ze sobą na imprezę, jest jeszcze jedna zmiana stroju: hipsterski look, w komplecie z szalikami i beretami, na pretensjonalne jam session w kawiarni. Tam spotyka zamyślonego basistę Kyle’a (Timothée Chalamet) i natychmiast zostaje wciągnięta w nową fantazję, napędzaną jej rosnącym pożądaniem seksualnym. Ta chwila możliwości jest zabarwiona smutkiem, ponieważ osiągnęła już długo oczekiwany cel, jakim jest posiadanie chłopaka, a mimo to nie może być usatysfakcjonowana tym, co ma.
Ten zawrotny pośpiech trwa nadal w jej domu, gdzie Lady Bird i jej napaleni kumple chichoczą na widok ułożonych w stosy mrożonych obiadów w kuchence mikrofalowej. Jej mama dokonuje nieoczekiwanego wejścia, a po odkryciu rodzaju zachowania, które zwykle wywołuje kłótnię z córką, Marion postanawia po prostu pozwolić im być. Jest wyraźnie zraniona, kiedy potulnie się żegna: „Cóż, szczęśliwego Święta Dziękczynienia… tęskniliśmy za tobą, Lady Bird”. Ale zamiast koncentrować swój gniew na danej chwili, uznaje swoją córkę za niezależną od siebie w uczuciach i potrzebach, jako odrębną osobę.
Dla Lady Bird jej matka reprezentuje dom – przede wszystkim w światło ujemne. To przeszłość i dziedzictwo, które tak bardzo chce porzucić, że rezygnuje z używania Christine, jej imienia przy urodzeniu. Napięcie związane z ucieczką od siebie, nad którym nie może zapanować, widać już w pierwszej linijce filmu, kiedy Lady Bird pyta matkę: „Czy myślisz, że wyglądam, jakbym była z Sacramento?”. Pytanie to rodzi jej nieugięte przekonanie, że dzięki swojej sile woli może wyrosnąć i przyćmić swoją przeszłość. Marion delikatnie odpowiada: „Ale jesteś z Sacramento”, przypominając, że żadna autoprezentacja nie zmieni niezmiennych faktów dotyczących jej pochodzenia.
Marion nie widzi wstydu w swojej sytuacji osobistej, finansowej ani geograficznej. Gerwig ze współczuciem obserwuje bohaterkę, która jeździ po stolicy Kalifornii, że „kiedy nie czuje urazy do utknięcia w swoim własnym życiu, ma ogromną zdolność, by je pokochać”. To zadowolenie z jej rodziny iw jej rodzinie leży u podstaw podróży Lady Bird, chociaż nie chce się do tego przyznać, dopóki nie upokorzy się w końcowej scenie filmu. W rzeczywistości zostaje jej matką – a przynajmniej zaczyna lepiej rozumieć i akceptować swoją wyjątkową mieszankę uczucia i kwaskowatości.
Lady Bird odwraca scenariusz opowieści o dorastaniu. Tradycyjnie nastoletni bohater wyrusza w podróż samorealizacji, która polega na przemianie w wybraną przez siebie nową osobę. Ale bohaterka Gerwig, czerpiąc z własnych młodzieńczych przebudzeń, przechodzi przez wszystkie charakterystyczne i kamienie milowe nastoletniego buntu, by w końcu wrócić do siebie. Moment oświecenia wynika z uświadomienia sobie, że klucz do jej przyszłości jest już w niej. Wystarczy jej to, że jest sobą.
Christine ma już to, czego potrzebuje, w postaci troskliwej rodziny i oddanej najlepszej przyjaciółki, które kochają ją bez względu na jej ostatni nastrój czy obsesję. W trakcie Lady Bird jej proces rozwoju osobistego powoli otwiera jej oczy na to, co widzą – nie ma nic do zmiany ani udowodnienia. Chociaż Marion nie jest idealna, częściowo z powodu niektórych blizn po jej własnej matce-alkoholiczce, ma większą świadomość, że to, kim jesteśmy i to, co mamy w chwili obecnej, jest cenne i warte świętowania… stąd jej ogromne rozczarowanie w Święto Dziękczynienia.
Gerwig nie wini swojej głównej bohaterki za tę krótkowzroczność. Lady Bird bardzo dba o to, aby rozszerzyć obiektyw na cały zespół ludzi, którzy walczą i walczą razem z nią w Sacramento. Aby uciec od bólu teraźniejszości, bohaterowie szukają uwolnienia w swoich tożsamościach i aspiracjach, które tylko jeszcze bardziej oddalają ich od ich istoty. Jest częścią większej historii nastolatków i dorosłych, którzy wpadają w niesatysfakcjonujące sytuacje, ponieważ boją się rozczarować tych, których kochają.
Piękno Lady Bird polega na tym, że ogromne poczucie opanowania i pewności siebie bohaterki pomaga innych, aby byli bezbronni razem z nią. Te chwile nieuwagi, które dzielą, aktywują w Christine to samo poczucie troski, jakie ma Marion w roli pielęgniarki psychiatrycznej i matki. Tragiczna ironia Lady Bird polega na tym, że matka i córka są wiecznie niezsynchronizowane, rzadko dzieląc moment rozpoznania wspólnego serca i człowieczeństwa. „Mogą być tak czułe dla innych ludzi, ale mają taki problem z byciem czułym dla siebie nawzajem”, zauważa Gerwig w komentarzu do filmu w serii zestawionych ze sobą scen, w których para zapewnia pocieszenie komuś, kto szuka ich pomocy (nieznany do drugiego). „Nie zawsze tak będzie, ale tak jest teraz”.
Ale Christine, Marion i ludzie wokół nich nie są sami w swoim wyzwaniu znalezienia zadowolenia w swoich okolicznościach. Jest to wyraźnie amerykański problem zapiekany w narodowej mitologii oczywistego przeznaczenia. Kraj zbudowany na stale przesuwających się zachodnich granicach zawsze postrzega szczęście i spełnienie jako rzeczy wyłaniające się za następnym horyzontem. Nawet kobiety McPherson nie są ponad kupowaniem tej tradycji, słuchając „Gron gniewu” Johna Steinbecka w audiobooku. Ale oto są w Kalifornii, kraju mlekiem i miodem płynącym, o którym marzyli migranci z Dust Bowl, a Christine wciąż szuka następnej granicy.
W komentarzu audio do filmu Gerwig mówi o Lady Bird jako o opowieść o odwrotnej migracji, biorąc pod uwagę chęć bohatera do przeniesienia się na wschód do college’u w Nowym Jorku. Jej film uchwycił zmianę pokoleniową, która rewiduje zasady przewodnie danego kraju, stawiając łaskawość przed chciwością, a także pamięć nad odkrywaniem na nowo. Inni posłańcy, począwszy od na wpół strawionego kazania katolickiego księdza, a skończywszy na Merrily We Roll Along Sondheima, również wyznają tę mądrość, zanim Christine będzie gotowa ją usłyszeć. Musi nauczyć się ich lekcji, żyjąc nimi, popełniając błędy i znajdując drogę do wdzięczności. „Chciałam ci powiedzieć – kocham cię” – wyznaje w ostatniej linijce filmu.”Dziękuję Ci. Jestem… dziękuję”.
Oczywiście wszyscy musimy doświadczać tego wzrostu w ten sam sposób, ale na szczęście Lady Bird istnieje jako rodzaj samonapędzającego się kinowego posiłku na Święto Dziękczynienia. Film może – lub ośmielę się powiedzieć, że powinien – służyć jako coroczne przypomnienie, aby wrócić do stołu i policzyć nasze błogosławieństwa. Jak stwierdza Christine, trudno jest wyciszyć ciągły kulturowy hałas, że najlepsza wersja ciebie jest w oddali. Odpowiedzi na bardziej wdzięczne życie są już w domu iw nas samych, jak pożywny pokarm dla duszy, doskonale ułożony przez Gretę Gerwig. Film może mieć zaledwie pięć lat w 2022 roku, ale mądra wiedza zawarta w Lady Bird, która pozwala nam docenić to, kim jesteśmy i co już mamy, sprawia, że jest to świąteczna tradycja, którą warto podtrzymywać.
Marshall Shaffer jest nowojorczykiem niezależny dziennikarz filmowy. Oprócz Decider, jego prace pojawiły się także w Slashfilm, Slant, Little White Lies i wielu innych. Wkrótce wszyscy zdadzą sobie sprawę, jak bardzo ma rację co do Spring Breakers.
