“Deep Water”est la meilleure adaptation livre à écran de l’œuvre sombre et nihiliste de Patricia Highsmith pour une bagarre ou un badinage décidément plus amoureux. Elle les ramena chez elle et les mit dans un bocal où elle les regarda pendant des heures, transi. C’était du sexe. Elle a commencé à les élever. Elle apportait une bourse pleine d’escargots aux fêtes parfois sur une tête de chou pour révéler à ses amis à leur surprise et, je dois le penser, leur consternation. Elle a dit des escargots qu'”ils me donnent une sorte de tranquillité, il est tout à fait impossible de dire qui est le mâle et qui est la femelle, car leur comportement et leur apparence sont exactement les mêmes”. Cela a parlé à Highsmith, luttant comme elle l’a fait toute sa vie avec son identité queer. Elle a commencé à incorporer des escargots dans ses histoires après cela. Dans une nouvelle de 1947 intitulée”The Snail-Watcher”, le héros M. Knoppert en élève une salle pleine. Ils en couvrent chaque centimètre. Leur poids arrache le papier peint en bandes festonnées d’escargots. Il se frappe la tête et est enseveli sous leur poids insistant. Ils étouffent ses cris.”Il pouvait les sentir glisser sur ses jambes comme une rivière gluante, épinglant ses jambes au sol.”En mourant, il note sur une plante à caoutchouc près de la porte « un couple d’escargots y faisait tranquillement l’amour. Et juste à côté d’eux, de minuscules escargots aussi purs que des gouttes de rosée émergeaient d’une fosse comme une armée infinie dans leur monde qui s’élargissait. » Photo : Everett Collection Ce que fait Highsmith dans son travail m’est impossible à quantifier de manière significative. Je peux dire que ses livres parlent de personnages désespérés d’échapper à eux-mêmes sans frapper l’effroi suffocant qu’ils engendrent chez le lecteur. À mi-chemin de l’un de ses romans, il est facile d’admirer la propreté de sa prose, la clarté avec laquelle elle décrit les névroses débauchées de ses personnages, la façon dont ses intrigues sont méticuleusement disposées comme des instruments de chirurgien sur une table. C’est la dernière moitié dont vous devez vous soucier. C’est la dernière moitié où ces plans soigneusement élaborés s’effondrent, où ses personnages se révèlent impuissants face aux flux et reflux du câblage ressemblant à des insectes (ressemblant à des gastéropodes ?) qui les anime, comment la clarté avec laquelle elle écrit a toujours été une distraction de l’horreur ineffable qui sous-tend ses histoires. Elle n’a jamais été romancière, elle a toujours été anthropologue. Je la considère comme une anthropologue des insectes qui rend compte des comportements des êtres humains tels qu’un insecte les comprendrait. En d’autres termes, alors qu’elle observait ses escargots, elle a dû imaginer ce qu’ils ont vu lorsqu’ils l’ont observée de dos. The Two Faces of January de Highsmith a été adapté en 1986 en Allemagne par Wolfgang Storch. Difficile à trouver, la version que j’ai regardée n’avait pas de sous-titres en anglais, mais je connaissais suffisamment le livre pour marquer qu’il était assez fidèle aux grandes lignes de l’histoire. Bref, un escroc en vacances avec sa femme adorée est traqué par des débiteurs et des assassins. Dans leur fuite, ils entraînent un étudiant diplômé américain dans leur orbite déclinante de mauvais choix et une série de terribles trahisons, de meurtres accidentels et de tragédies ironiques. Il a été refait en 2014 par Hossein Amini avec Viggo Mortenson dans le rôle de l’escroc, Kirsten Dunst dans son épouse et Oscar Isaac dans celui de l’étudiant diplômé. Vivant avec le pouvoir vedette de ses pistes, il y a des indices dans cette adaptation d’une véritable compréhension de la fréquence à laquelle Highsmith a plié la réalité à travers des fantasmes et des cauchemars pour illustrer le tribut que la jalousie sexuelle fait peser sur la santé mentale d’un homme. J’aime une scène après que McFarland de Mortenson se réveille d’une image de sa femme séduisant leur ami où il passe son doigt le long d’un lit froissé et le sent pour essayer de détecter des preuves de sexe qui n’ont probablement pas eu lieu. C’est là le grotesque de Highsmith en un mot. L’odyssée nocturne de McFarland à travers un pays inconnu est aussi terrifiante que quoi que ce soit dans After Hours ou The Game de David Fincher. Sans beaucoup de contorsion, on pouvait y voir une hallucination sensorielle inspirée par ce qu’il sentait sur son doigt. Ce qui manque au film, c’est davantage la misanthropie particulière de Highsmith. The Two Faces of January est un thriller largement conventionnel. Un bon, mais pas spécial. Le cri du hibou a également été adapté deux fois avec, je dirais, plus de succès. Une première fois de Claude Chabrol en 1987 dans Le cri du hibou puis de nouveau en 2009 de Jamie Thraves et avec Paddy Considine et Julia Stiles. J’adore le livre Highsmith. De son travail non-Ripley, c’est celui que je recommande comme le meilleur exemple de l’extrême méfiance de Highsmith envers les gens couplée à ce qui est la représentation la plus noire de sa dépression. Écrit après une rupture acrimonieuse avec son amant, c’est l’histoire impitoyable d’un homme qui a fait une dépression nerveuse, puis commence à traquer une femme avec qui il finit par avoir une relation brièvement avant son suicide, puis est accusé d’une série de meurtres. dont il n’est pas littéralement responsable mais qu’il a néanmoins un rôle à jouer. Sa vision du monde est plus sombre que sombre. Chabrol a vu dans ce matériau l’occasion d’une de ses méditations sur la sensualité du voyeurisme et la vie de l’esprit. Dans la version de Thraves, il y a tout cela, plus un profond désespoir insoluble non seulement pour la condamnée Jenny, objet des fantasmes domestiques de Robert, mais aussi pour Robert lui-même qui perd tout dans sa vie parce qu’il ne peut plus cacher qu’il est mal à l’intérieur. Dans sa vie, Highsmith se considérait comme Robert. Après une rencontre avec une vendeuse blonde qui a finalement conduit à l’écriture de The Price of Salt que Todd Haynes a transformé en un mélodrame queer Douglas Sirkian (exceptionnel) avec Carol de 2015, Highsmith l’a suivie chez elle et l’a regardée pendant un moment à une distance. La vendeuse se suiciderait environ un mois plus tard – l’un des deux anciens amants de Highsmith ou juste des obsessions temporaires qui ont tenté ou réussi en même temps. une autre génération l’aurait appelé”sociopathe”ou”psycho”. Il est le héros de cinq romans de Highsmith, dont les trois premiers ont été adaptés au cinéma. Ripley est charmant, brillant et avide d’être accepté par la haute société. Chaque fois qu’il est découvert qu’il est”ordinaire”, il ment, allume du gaz, manipule et lorsque toutes ces tactiques échouent, il assassine quiconque pourrait avoir les moyens de l’appeler. Le grand public connaîtrait mieux le personnage grâce au beau et somptueux The Talented Mr. Ripley (1999) d’Anthony Minghella avec Matt Damon dans le rôle de Ripley. Dans le film, ses amis et victimes assortis, souvent les mêmes, sont joués par une coterie de jeunes sommités au sommet de leur beauté et de leur charme impossibles: Jude Law, Philip Seymour Hoffman et Gwyneth Paltrow. La première fois que le roman a été adapté à l’écran, c’était dans le merveilleux Midi pourpre (1960) de René Clément, un classique reconnu du cinéma mondial dans lequel un Alain Delon d’une beauté impossible fait ce qu’il fait le mieux : être beau en jouant comme un peu un extraterrestre. Purple Noon est une adaptation beaucoup plus lâche du roman de Highsmith que The Talented Mr. Ripley en ce que Clement le joue comme une histoire largement conventionnelle sur un jeune homme plutôt pathétique embarrassé par quelqu’un qu’il pensait être un ami avant d’être provoqué à la violence par le rejet de cet ami. Ripley de Delon assume l’identité d’un homme qu’il a assassiné, mais cela semble plus une exigence pour faciliter son évasion plutôt qu’un chiffrement sans ego prenant une forme souhaitée. En fin de compte, Ripley de Delon n’est même pas capable de déjouer les autorités. En revanche, dans la version de Minghella (et de Highsmith), Ripley glisse sans effort de la tromperie à l’intermède violent, échangeant des identités aussi facilement que sa sexualité dans le portrait d’un jeune homme qui est essentiellement une manifestation amorphe d’opportunisme affamé. Pour un long métrage à gros budget qui a été largement accepté par le grand public, la maladie de The Talented Mr. Ripley ressemble toujours à une licorne. Le talentueux M. Ripley a trouvé une troisième adaptation, encore une fois très, très lâche, avec Naan de Jeeva Shankar (2012) qui, tout en parcourant certains des grands mouvements de l’intrigue, se concentre sur le traumatisme générationnel comme cause de ce Ripley (Vijay Antony) désir désespéré d’échapper à son droit d’aînesse de honte et de désespoir. Échapper au droit d’aînesse n’est pas quelque chose que Highsmith a jamais semblé particulièrement intéressé à explorer. Son travail évite en grande partie la trame de fond détaillée. Ripley, de roman en roman, s’avère un mythologue peu fiable de ses propres origines qui ne convient qu’à un personnage qui est plus un concept paranoïaque et prédateur qu’une personne. C’est un super-héros dont le pouvoir spécial coupe une bande sanglante dans la vie financière et émotionnelle des personnes qui peuvent le plus se le permettre. Il y a bien sûr un élément de réalisation de souhaits dans tout cela, un délicieux transfert de culpabilité dans lequel nous nous retrouvons à nous enraciner vigoureusement pour que le méchant manifestement dément s’en tire. Et ce n’est pas par aversion pour ses victimes-Highsmith fait très attention à dépeindre ses victimes comme décentes si elles sont ivres d’argent et ne méritent certainement pas ce que Ripley leur fait. Je pense que ce qu’elle fait, c’est nous amener à les voir comme Ripley les voit comme, en effet, Highsmith elle-même voit les autres, c’est-à-dire comme quelque chose de moins qu’humain. Elle le fait subtilement, déconstruisant les comportements en impulsions bestiales qui ne sont pas sans rappeler les mouvements, les motivations extraterrestres des escargots. Hoffman capture cela lors de sa première apparition en tant que playboy Freddy dans The Talented Mr. Ripley, apparaissant dans ce qui semble être un nuage d’arrogance onctueuse et de smarm expansif. Tout est acte. Nous voyons à travers cela comme nous voyons à travers les différentes formes que prend Ripley. Ripley est littéralement un acteur du deuxième roman de Ripley, Ripley Under Ground, qui a été adapté avec verve et joie en 2005 par Roger Spottiswoode avec Barry Pepper dans le rôle-titre. Rien d’étonnant à ce que le mérite de l’écriture de scénario revienne au légendaire écrivain policier Donald E. Westlake. Ripley cette fois-ci est membre d’une troupe d’acteurs, d’artistes, de bons vivants qui est sur le point d’être expulsé de son école de théâtre pour avoir falsifié chaque élément de sa candidature, y compris sa banque et même la ville dans laquelle la banque est censée être hébergée. Lorsqu’on lui a demandé comment il pensait s’en sortir, il a dit au doyen qu’il pensait qu’ils verraient à quel point il était un acteur doué et lui offriraient ainsi un tour complet. Le soir de l’ouverture de la galerie d’un de leurs compatriotes, Ripley rencontre une belle fille française Héloïse (Jacinda Barrett) qu’il avait l’intention de voler, et une mort malheureuse conduit à un plan pour forger une série de peintures qui éveillent la curiosité de un collectionneur amateur talentueux (Willem Dafoe) et un enquêteur suspect de Scotland Yard (Tom Wilkinson). Nous voulons désespérément que Ripley s’en tire à bon compte : s’enrichir de ses nombreux mensonges et stratagèmes, attraper la fille, même obtenir la bourse d’études de son école de théâtre européenne, car n’est-ce pas le rêve américain de faire tout ce qu’il faut pour être en mesure de se permettre tout ce que vous voulez? Pepper n’est pas assez à mon goût pour faire un Ripley vraiment génial – il est plus un anti-héros conventionnel que le vrai diable – mais il mérite plus que ce qu’il a obtenu dans sa carrière. Il est bon et le film est un peu mieux que bon. Dommage qu’il soit aussi sous-estimé que l’extraordinaire Ripley’s Game (2002) de Liliana Cavani, une adaptation du troisième roman de Ripley et acheté pour une distribution nationale par Fine Line avant d’être enterré par désir de ne pas rivaliser avec Cold Mountain de Miramax. Il met en vedette John Malkovich dans le rôle de Ripley, un marchand d’art vivant en Italie avec une belle épouse italienne qui surprend un encadreur en phase terminale (Dougray Scott, choisissant de faire cela plutôt que de jouer Wolverine dans les films X-Men de Sony) insultant son goût et dépensant ensuite le reste du film torturant le cadreur, Trevanny, avec de l’argent à travers une variété d’opportunités illicites. C’est délicieux. Photo : Fine Line Features Malkovich est la température idéale pour incarner Ripley : il est reptilien, insectile en fait, la seule fois où il trahit quelque chose comme la passion, c’est quand il a peur que son déchaînement dans un train puisse endommager sa montre inestimable dans le processus. Ray Winstone s’avère également un repoussoir capable, un ancien conspirateur qui a la mauvaise habitude de se présenter là où il n’a pas été invité et, pire que tout, d’être un peu rustre. La vérité est que Ripley est plus rustre que baron et toute association avec l’impolitesse est inadmissible. Les racines d’Hannibal Lecter sont en Tom Ripley. À bien des égards, le monstre de Thomas Harris est la caricature du vampire de classe élégant de Highsmith. Le jeu de Ripley a été filmé pour la première fois en tant que brillant The American Friend (1977) de Wim Wenders, qui a littéralisé les ambitions de Ripley avec une performance nerveuse et nerveuse de Dennis Hopper dans le rôle principal. Le cadreur est cette fois-ci un Bruno Ganz germanique brisé, faisant jouer la collision entre eux comme une métaphore henry jamésienne de la mort de la civilité européenne dans le feu de la nouvelle vulgarité américaine. Il vient à la fin d’un trio de”road movie”pour Wenders après Alice dans les villes, Wrong Move et Kings of the Road-des films dans lesquels cette question de passer du passé au présent est commémorée dans les chroniqueurs perdus de Wenders, réparateurs de projecteurs, photographes et écrivains. Il a avec Trevanny un faiseur de cadres, un contextualisateur d’art, en lutte à la fin de sa vie avec un homme dont le seul rapport avec les choses belles est son désir de les posséder. L’une est archiviste, l’autre est philistine. Photo : Hulu Nous avons commencé avec Highsmith et ses escargots et nous finirons avec eux aussi , alors que son grand roman d’escargot Deep Water trouve sa deuxième adaptation avec l’extraordinaire interprétation organique d’Adrian Lyne tombant en streaming après un long retard, un changement de studio et le refus d’une course théâtrale. Lyne m’a manqué-cela fait dix ans depuis son dernier film, et j’ai raté le genre de films que Lyne fait. Ils sont pour adultes. Pas dans un sens pornographique, mais dans le sens où ils traitent de personnages adultes réels et compliqués qui sont dans des relations adultes complexes dans des histoires où les enjeux sont la fidélité et la foi plutôt qu’un multivers entier d’envahisseurs extraterrestres. Les créatures de Highsmith sont toutes de l’Id. Deep Water a été adapté pour la première fois en 1981 par Michel Deville en Eaux profondes dans lequel le grand Jean-Louis Trintignant joue le mari frustré cocu en série par sa femme licencieuse Mélanie (la grande Isabelle Huppert). La façon dont Vic gère sa jalousie sexuelle est de coincer les amants de sa femme et de leur suggérer qu’il a assassiné leurs prédécesseurs. C’est un grand collectionneur et éleveur d’escargots. Il les regarde comme un homme religieux regarde l’évangile: pour la force, le courage et un guide pour mieux vivre. Les amants ne pensent pas que les menaces voilées de Vic soient très drôles mais Vic leur assure qu’il ne plaisante pas. Le film de Deville s’écarte de la fin violente et destructrice du roman de Highsmith avec ce que je lis comme une défense de l’unité familiale traditionnelle. C’est un bon film, mais je n’aime pas qu’il atterrisse ici. Le point de vue de Lyne sur le matériel qui ramène l’auteur sur le même terrain qu’il a foulé avec Fatal Attraction le plus ostensiblement, mais principalement dans son infidèle sous-estimé et sous-estimé. Lyne’s Deep Water est vraiment un regard sur la façon dont les gens changent au cours d’une relation à long terme, non pas dans la mesure où ils aiment leur conjoint, mais dans la façon dont ils les aiment. C’est sage, le produit d’un créateur plus âgé et plus expérimenté qui voit en Highsmith la femme qui a cru dès son plus jeune âge qu’elle était née homme, mais qui a appris à travers son éducation et sa culture que ce sentiment était un trouble équivalent à la pédophilie ou le satanisme. L’un de ses livres préférés lorsqu’elle était enfant, The Human Mind du Dr Karl Menninger, en disait autant en tant de mots. Elle vivait alors sa vie dans le dégoût d’elle-même, se sentant criminelle, se sentant menteuse, acteur dans toutes les situations. Même une lecture superficielle de ses journaux est un aperçu d’une vie de douleur et de ressentiment, tandis qu’une lecture même superficielle de son travail voit une pleine expression de l’amertume de sa crise existentielle. Lyne obtient cela dans Deep Water, tirant de sa star Ben Affleck une performance de désir extraordinaire d’être enfin vue pour la personne qu’il est et la douleur qu’il ressent en devant le cacher au monde. De toutes les adaptations de Highsmith dont nous avons discuté, nous voyons des aperçus de ce désir fondamental d’être connu ici et encore, mais c’est Adrian Lyne qui vient de le faire sortir du stade. Il change également la fin du livre, mais plutôt que d’offrir une défense des rôles de genre traditionnels, il fait une déclaration provocante sur l’importance de l’identité, aussi laide soit-elle, aussi visqueuse, et surtout à quel point elle est vitale pour les deux partenaires. une relation pour voir l’autre tel qu’il est quand tout artifice est dépouillé. Nous sommes des animaux, des insectes. Et la civilisation n’est que l’outil que nous utilisons pour nous en sortir avec toutes les choses dont nous avons besoin pour nous en sortir jusqu’au moment même où nous sommes pris et, parce que nous le méritons, mis de côté pour de bon pour nos péchés. Si Deep Water n’est pas le meilleur film réalisé à partir d’un livre de Patricia Highsmith (qui reste Strangers on a Train), c’est au moins la meilleure adaptation de Highsmith du livre à l’écran. C’est mieux que le livre, même, parce qu’il fournit une analyse de la totalité d’une œuvre importante. Cela arrive plus que vous ne le pensez. Walter Chaw est le critique de cinéma principal pour filmfreakcentral.net. Son livre sur les films de Walter Hill, avec une introduction de James Ellroy, est maintenant disponible en précommande. Sa monographie du film MIRACLE MILE de 1988 est disponible dès maintenant.

Published by Netflix News Staff on March 17, 2022